Jose Mª Rodríguez

 

 

Pocos fotoperiodistas hay en la región de Murcia con un trabajo tan impecable -y lamentablemente tan oculto y desconocido- como José María Rodríguez Valero. Una oportunidad para conocer uno de sus primeros proyectos de autor es visitar su exposición El Molinete, años 80, en la gintonería Mazinger de Cartagena (C/ Juan Fernández, 65), que el bueno de José Mª inauguró el pasado jueves, acompañado por compañeros fotoperiodistas y amigos como el fotógrafo Juan Manuel Díaz Burgos y el pintor Gonzalo Sicre. Una docena de fotografías en blanco y negro que nos enseñan la peculiar atmósfera del desaparecido barrio cartagenero.  

Jose Mª lleva trabajando casi tres décadas para diarios locales de Murcia. Ha impartido clases de fotografía en la Universidad Popular de Cartagena y participado en varias exposiciones, entre las que destacamos su presencia en “Arco 85”, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid (1986) o en el pabellón murciano de la “Expo 92”.

"Hacer fotos en el Molinete, antiguo barrio de prostitución de Cartagena, no era tarea fácil en aquellos años y aun más para un principiante; a no ser que a esta combinación el fotógrafo aportara pasión desmedida. Y no solamente de ella se valió, sino que además supo acompañarla de una mirada y frescura extraordinaria.

Este trabajo nos deja, sin duda, el recuerdo de un barrio típico, popular y, aun así, marginal de una Cartagena perdida en el tiempo, que no en la memoria para aquellos que la vivimos. Y lo que es mejor, para aquellos que no la conocieron. Es la fuerza de la fotografía escrita y narrada con mayúsculas, al hilo de otros fotógrafos que igualmente supieron contarla en la época en la que les toco vivir, como lo hizo el gran Joan Colom del barrio chino (actual Raval) de Barcelona. O Joaquin Collado, en Valencia. 

La obra de Joan Colom ha sido premiada con el Premio Nacional de Fotografía en el año 2003 y tanto su trabajo, como el de Joaquín Collado, se exponen en los mejores espacios expositivos, auspiciados por los respectivos responsables de sus gobiernos autonómicos, el catalán y el valenciano. La de este buen fotógrafo se encuentra guardada en sus archivadores, esperando que algún alumbrado y responsable cultural de esta comunidad quiera tenerla en cuenta algún día." (Díaz Burgos).

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Francisco José Sánchez Montalbán "Monti" (Cartagena, 1964) es, además de profesor titular de fotografía de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada (donde se doctoró en Bellas Artes y se licenció también en Antropología), fotógrafo. 

Mañana inaugura la exposición El prodigio de la levedad en el Palacio Molina de su ciudad natal. Monti desarrolla su vida profesional en Granada, donde también ha comisionado alguna exposición y dirige la Colección de Arte Contemporáneo de la Universidad. Asimismo, es autor del manual de fotografía Bajo el instinto de Narciso.  

Para él esta muestra, con una selección de imágenes realizadas en los últimos 20 años, es también una especie de homenaje a la ciudad de sus orígenes, donde sólo ha expuesto en una ocasión. 

"El Prodigio de la levedad es una selección de fotografías que hablan de cosas sencillas, de una manera de descubrir y reconocer sensaciones que la vida ofrece para ser enmarcadas por la mirada y rescatadas del tiempo. Es una forma de certificar que la vida va sucediendo entre acontecimientos extraordinarios que ocurren mientras nosotros nos dedicamos a otros asuntos. Los fotógrafos asumimos en muchos casos un compromiso de redención e interpretación y nos lanzamos a corazón abierto a una caza encubierta de esos instantes verdaderamente prodigiosos. Por ello, la selección de estas fotografías está realizada a partir de imágenes que a lo largo de los últimos años han ido construyendo un catálogo de trofeos sobre la vida y sus protagonistas, una colección de experiencias desde la mirada clandestina, a veces sorprendentes, otras irónicas, otras críticas."

 

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"The family of man" en el MOMA (NY)

“The Family of Man” ha sido la exposición fotográfica con mayor itinerancia y más vista de todos los tiempos, con más de 9 millones de espectadores. Su catálogo ha sido el libro de fotografía más vendido de toda la historia. Este es el “momento Guinness de los Records”.

La exposición se inauguró en enero de 1955 en el MOMA de Nueva York y viajó durante siete años por 38 países. Edward Steichen, que en ese momento era el director del departamento de fotografía del MOMA, fue su comisario. Actualmente permanece en el Château de Clervaux (Luxemburgo) donde forma parte del Programa de Memoria Histórica de la UNESCO. Este es el “momento dato”, pero te ayudará a entender mejor lo que sigue.

"The family of man" en Clerveaux (Luxemburgo)

Steichen fue un intelectual, de los primeros artistas que condujo la fotografía a las galerías de arte, a los museos. Pionero de la fotografía contemporánea, Steichen fue a la fotografía lo que Freud, al psicoanálisis. Estamos ante grandes visionarios, mentes muy superiores y su aportación es inmesurable. Cualquiera de nosotros necesitaría tres vidas para hacer los que estas personas hicieron en una. Ni un minuto en vano.

Pero ¿cuál fue el sentido de esta inmensa exposición?, y su tema... ¿de qué se trataba?, ¿por qué se movió por todo el mundo?, ¿qué hizo que tantas y tantas personas fueran a verla?, ¿cuál es su magia?... y sus críticas, ¿hacia dónde fueron sus críticas?... 

Los antecedentes: Esta exposición se gestó en un contexto de enorme incertidumbre y mucha tensión debido a la Guerra Fría. Hiroshima estaba a la vuelta de la esquina, millones de personas habían visto los espantosos efectos de la bomba atómica y vivían bajo la terrible amenaza de una guerra nuclear. Por otra parte, la ONU empezaba su andadura y la controvertida Declaración de los Derechos Humanos no había hecho más que ver la luz.

El tema: “The Family of Man” reafirma la fe en la humanidad para una audiencia que, como la mirada de un niño que ha visto cosas que no le corresponde ver, vivía bajo la amenaza de su propia extinción. Fue creada, en palabras de Steichen, “en un apasionado espíritu de amor devoto y de fe hacia el ser humano”. Enfatizaba la paz, el amor al hombre, la conciencia humana más allá de la conciencia social. Presentaba a un hombre sin fronteras, sin etnia, ni grupo social o económico, geográfico o político.
La instalación disponía las fotografías por temas (amor, nacimiento, trabajo, familia, educación, guerra, paz...) de un modo totalmente innovador, por fuera de todos los esquemas con los que entonces se contaba.

La crítica: a “La Familia del Hombre” no le faltaron detractores, a Steichen tampoco. Las hay a decenas, desde los aspectos puramente formales, como que las fotografías son demasiado homogéneas en tonos, hasta los que señalaban la intencionalidad de Steichen y su código ético. Muchos le tildaron de tener una mirada demasiado naïf hacia el mundo, de comisariar una exposición moralista, ñoña, si me lo permitís, donde la individualidad y la identidad de cada retrato, de cada grupo etc., quedaba subordinada a una actividad común de todos los seres humanos (por ejemplo el trabajo, la educación). Hubo quién sospechó de tener una intencionalidad política (para los americanos liberales encarnaba la amenaza comunista, en España, por ejemplo no se mostró. Para los defensores del relativismo cultural suponía un grave peligro ya que subordinaba el valor de la tradición y de la diversidad en aras de representar las actividades comunes de la humanidad, asistíamos a la globalización del género humano mucho antes de que el concepto de “aldea global” existiera.

Los fotógrafos criticaban que Steichen, que había luchado durante décadas para elevar la fotografía a la categoría de arte como una entidad autónoma e independiente de la pintura, la usara ahora como forma de comunicación al servicio de un tema como la humanidad. Vieron una terrible osadía que cada imagen estuviera descontextualizada y que ambos, foto y autor, estuvieran al servicio de comunicar el tema principal. Ninguna fotografía aparecía como obra única, sino que cada imagen representaba las letras de una enorme carta que se le escribía a toda la Humanidad. Nadie era el protagonista de nada. La motivación principal era la supervivencia del Ser Humano en un clima de crisis nuclear, el narcisismo de los autores estaba en segundo o tercer plano, no era relevante.

El reto: Steichen se enfrentaba a un reto muy muy difícil. Esta exposición se gestó con la intención de que fuera contemplada por un inmenso grupo de gente, millones de personas. El punto era crear un sentimiento de confianza, de calidez hacia el ser humano en un clima lleno de suspicacia, desconfianza y división. Era cocinar un inmenso y exquisito caldo caliente apto para todos los paladares del mundo. 

Esta vez Steichen no promovía la fotografía como arte y a los fotógrafos como artistas, sino que jugaba a otro juego, con otras reglas. Esta vez se trataba de que la fotografía sirviera de lenguaje inteligible para una audiencia global, que el mensaje pudiera ser descifrado igualmente por el indio guatemalteco, por el moscovita o el japonés.
No creo que la actitud de Steichen fuera ingenua y plana, que tantos años y tantas horas dedicadas de lleno a esta exposición tuvieran una intención moralista y escolar. De hecho, creo que Edward Steichen adoptó una actitud sumamente responsable y de liderazgo moral en un momento en el que era necesario que los valientes se pronunciaran e hicieran. Un momento no muy distinto al que estamos atravesando ahora.
Como dice una querida amiga, “en la vida puedes hacer muchas cosas, pocas o ninguna; pero si no intentas nada, nunca harás nada”.

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Daido Moriyama

La fotografía asalta la capital británica con dos muestras que bien merecen una visita en el próximo puente de Diciembre. "Willian Klein + Daido Moriyama" toman la Tate Modern para mostrarnos su universo urbano de New York y Tokio, en lo que el British Journal of Photography ha denominado "la exposición de fotografía más importante que podrá verse en el Reino Unido en una generación".

Dos maestros de la fotografía callejera y la experimentación que hicieron revolverse a los más puristas y demostraron que la creatividad aplicada al documentalismo transmite tanto o más que el fotoperidismo tradicional. Recursos como los primeros planos desenfocados, las sobreexposiciones, el grano, los encuadres simetricamente descuidados o los negativos pintados siguen creando escuela, hoy en día, en la streetphoto.

Julia Jackson (madre de Virginia Woolf). Julia Margaret Cameron

Por otro lado, por primera vez en su historia, la National Gallery acoge una exposición de fotografía. La muestra "Seducidos por el arte" hace un recorrido desde los primeros fotógrafos del s.XIX hasta los contemporáneos, para mostrarnos cómo en este arte siempre se ha tenido un ojo en el visor y otro en la pintura. Desde Julia Margaret Cameron hasta Martin Parr, todas las obras se muestran junto a su referencia pictórica procedente de la propia colección de la National Gallery.

Las dos exposiciones, hasta el 20 de enero en Londres.

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Salvi Danés

Ayer se inauguró en Tarragona, en el antiguo espacio de Tabacalera, la magnífica exposición "Talent Latent", comisariada por Jesús Micó, que daba el pistoletazo de salida al Scan, el festival tarraconense que cumple cuatro años en escena. La muestra está compuesta por una selección de diez autores de los llamados emergentes, aunque ya conocíamos el trabajo de alguno de ellos, como el catalán Salvi Danés (Talento Fnac 2011), con su enigmático "Dark Isolation Tokyo" (merecida portada del catálogo del festival), una aproximación brutal y desoladora a la vida en la gran ciudad asiática, cuya continuación rusa, "Black Ice, Moscow", estamos deseando ver publicada; la italiana Simona Rota, con "Ostalgia", una gélida catalogación de viejas arquitecturas soviéticas, que reivindica su valor como piezas únicas que merecen ser conservadas; o el también catalán Salva López, que da un giro de 180º a su trabajo con "La cortina verde" y abandona la proximidad que tuvo con sus abuelos para enseñarnos, en la distancia, una destartalada montaña de Montjuic, con una "estética formalmente neutra y casi áspera, sin concesión alguna a la celebración visual y sentimental del territorio".

Simona Rota

Salva López

En el resto de trabajos expuestos predomina la mirada introspectiva, una vez más (en estos tiempos en los que las grandes narrativas parecen haberse perdido en la llanura, tras los búfalos), la revisión de los espacios más próximos e íntimos, como hace la irlandesa Clare Gallagher con su "Domestic Drift", un ejercicio de supervivencia fotográfica contra el caos doméstico, o la argentina Lorena Guillén, que tras rescatar la última caja de diapositivas de la familia que su madre había arrojado a la basura, la única que pudo salvar, en "Historia, memoria y silencios" interviene sobre las imágenes aplicándoles desenfoques poéticos, resultando su montaje en sala uno de los más interesantes. La francesa Dorothée Smith continúa la estela y se sumerge de lleno en su biografía, en un trabajo en el que fotografía y vida se retroalimentan, para construir una atmósfera absolutamente personal que resulta magnética y muy recomendable. El catalán Jordi Díaz, en su "Anoche pagué para cerrar los ojos", nos cuenta su cotidianeidad como si de una película de cine negro se tratara, consiguiendo que en sus imágenes resuenen los ecos de tantas otras.

Sólo hay una excepción, el alicantino Sebastián Liste, que en su "Urban quilombo", el más puramente fotoperiodístico de los trabajos expuestos, con un clásico y ya casi sorprendente blanco y negro, se aproxima contundentemente a las condiciones de vida de una docena de familias que, hartas de vivir sin recursos en las calles de los barrios más peligrosos y degradados de la ciudad, ocuparon una antigua fábrica de chocolate en Salvador de Bahía, Brasil.

Absolutamente inclasificable es "Chiméres", de la suiza Eva Lauterlein, un ejercicio de retrato postcubista que fantasea con la idea del retrato total y construye, a base de unir digitalmente diferentes puntos de vista de la misma persona, irrealidades superreales.

Sebastián Liste

Eva Lauterlein

Pero mi corazón se lo ha ganado el bilbaíno Mariano Icaza con "Atos Alde, retratado por los grandes maestros" por su sentido del humor y su irreverente respeto hacia la historia de la fotografía. Qué gran ejercicio de revisión histórica. Y sin aburrir. Mariano se transmuta en un tal Atos Alde que sueña con ser retratado por los grandes: Avedon, Evans, Chambi, Penn, Rodchenko, Newton, Mapplethorpe, Ribas, Serrano, Gonnord… Y se pone a hacer realidad sus sueños: se hace una foto exactamente igual que la habrían hecho ellos. Y si hay que transformarse en mujer para posar ante Sherman como ella misma lo hacía, lo hace, en un bucle infinito. ¡Magnífico!

Parece que la fotografía contemporánea está definitivamente atrapada entre la tensión "neopictorialismo vs lo peor" (ver "Estética de lo peor", de José Luis Pardo), entre las imágenes con vocación plástica, evanescencias pictorialistas que se alejan de lo fotográfico para sumergirse de cabeza en él (¿qué hay más fotográfico que el desenfoque, los viñeteados, el contraste, la sobreexposición o el grano?) y las imágenes que quieren ser todo lo contrario, lo peor, y renuncian a cualquier recurso formal para anunciar a los cuatro vientos que lo suyo es el concepto. Y ahí seguimos, cien años después de que Stieglitz diera carpetazo al asunto. Vanguardia vs canon (entendiendo que el concepto hace décadas que es el canon), hedonismo vs ascetismo... Admito que tanta solemnidad en torno al Yo y el Ello a veces me pilla con el alma floja. Menos mal que a veces me río viendo fotos!

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Frank Horvart: Zapato y Torre Eiffel, para Stern, 1974

Daguerre, Marville, Atget, Lartigue, Brassaï, Kertész, Ronis, Doisneau, Cartier-Bresson... Estos nombres forman parte de la historia con mayúsculas de la fotografía. A ellos y a otros autores anónimos se les puede encontrar en la exposición París Tachen que hasta el 31 de octubre se puede visitar en Fnac Murcia. La capital francesa, la ville lumière, fotografiada por los clásicos.

‘¿Sabes lo que dijo Pablo Picasso cuando miró mis dibujos en 1939? "Usted está loco Brassai, tiene una mina de oro y pasa su tiempo explotando una mina de sal". La mina de sal era, por supuesto, la fotografía.’ Brassaï.

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Simon Roberts

Todo gran festival de fotografía debe aspirar a tener descendencia como una forma sana de crecer y establecer lazos sólidos en la comunidad donde nace. Este es el caso de la Bienal de Fotografía de Brighton (de la que hablamos en la entrada anterior).

Brighton Photo Fringe se fundó en 2003, bajo la iniciativa de artistas locales y con la colaboración de la Bienal de Fotografía de la misma ciudad (BPB), y ahora el festival ha crecido hasta convertirse en un evento capaz de atraer a 144.000 visitantes, por su abierto espíritu participativo que busca la colaboración del público.

Este festival, que también cuenta con el apoyo de la escena local y nacional, es una potentísima lanzadera para fotógrafos emergentes y estudiantes, especialmente para los locales. Buena muestra de ello son las 101 exposiciones que propone el festival este año. Nosotros queremos destacar algunas como la de Simon Roberts y Richard Rowland "A crisis is a terrible thing to waste". También destacamos los retratos de mujeres boxeadoras de Amelia Shepherd, el diario de viaje de Sunil Shah o la ganadora del Brighton Photo Fringe OPEN 2012, Jinkyun Ahn, que presenta su primera exposición en solitario "On the surcase of image", un trabajo en el límite de la ficción con alto componente conceptual que explora la relación entre los padres Ahn, y a su vez la relación de su familia con la muerte y el más allá.

Amelia Shepherd

Sunil Shah

Jinkyun Ahn

Muy recomendables también son las exposiciones colectivas Bristol Astroformum 2.0, Memory, Territory, Space o The Photocopy Club que saca de Internet el trabajo de fotógrafos de todo el mundo a través del uso de la fotocopiadora como medio de producción accesible. "Lo que esperamos lograr con este proyecto es obtener fotografías de Internet y llevar los impresos de nuevo en manos de los del público... básicamente queremos que el espectáculo sea como una revista gigante para que todo el mundo puede tomar una página"

Cambell Sibthobe para THE PHOTOCOPY CLUB

Además de las exposiciones, el festival cuenta con varias actividades como un intercambio, un proyecto foto-ecológico de participación ciudadana, una plataforma online para fotógrafos y curadores, varias convocatorias y hasta un viaje a Barbados.

El festival se celebra entre el 6 de octubre y el 18 de noviembre en las ciudades británicas de Brighton y Hastings.

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Lulu Ash

Hay un gran festival a unas dos horas de vuelo de casi cualquier ciudad europea con aeropuerto. Nos referimos a la Brighton Photo Biennial, un festival que presenta catorce exposiciones para no perderse en la ciudad británica de Brighton.

Las exposiciones mantienen una clara tendencia hacia lo documental. Lulu Ash presenta un extenso trabajo sobre agricultura urbana estableciendo un puente entre la capital británica y La Habana. También podremos ver la retrospectiva sobre el fotoactivista británico, 'Hoppy' John Hopkins, una de las figuras más singulares de la escena uderground del Swinging London. Periodista, investigador y político, su trabajo fotográfico temprano se ha convertido en un icono, pero también ha pasado a la historia por co-fundar la revista clandestina International Times y el legendario UFO psicodelic del club, donde Pink Floyd fueron banda residente. La exposición se centra en el movimiento activista por los derechos civiles alrededor de la década de los sesenta en Reino Unido.

Lulu Ash

Hoppy

Hoppy

El festival reserva un hueco especial a los fotolibros a través de una exposición de ejemplares autoeditados. En la extensa lista de autores que forman parte de la muestra nos alegra encontrar nombres como Xavier Rivas o Belén Cerezo, al lado de otros como Paul Graham, del que os hablamos aquí hace poco.

La bienal, que este año se celebra entre el 6 de octubre y el 4 de noviembre, propone todo un elenco de actividades: exposiciones, charlas, visitas guiadas y varios talleres entre los que destacamos dos talleres infantiles y un MAGNUM WORKSHOP con Moises Saman, Mikhael Subotzky y Alessandra Sanguinetti.

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ParisFoto 2009, Julián Garnés García

Cada vez es más complicado disfrutar de una buena exposición que aúne cantidad y calidad presentando el trabajo de un autor en un "formato envolvente". No hablamos del tamaño de las copias, que no tienen porqué ser necesariamente grandes, sino más bien de un conjunto de factores que permiten una auténtica inmersión convirtiendo la visita en un viaje intenso donde cada imagen conecta con nuestros recuerdos y experiencias. La intensidad marca la diferencia entre ver la fotografía y vivir la fotografía. Y, desafortunadamente, esto es algo cada vez más difícil de encontrar en altos grados, en lo que a fotografía expuesta se refiere.

Siempre es un placer disfrutar de copias en pared pero está claro que la intensidad de diez copias en una pequeña sala o galería es algo menor que el que encontramos en una gran exposición como las de CaixaForum, Fundación Mapfre o Reina Sofía, por citar algunos ejemplos. Una autentica inmersión en el universo fotográfico de un autor requiere de un diseño expositivo en condiciones y un amplio espacio que garantice tiempo. No es lo mismo ver una exposición de diez minutos que aislarnos del mundo una hora. Esto es en fotografía lo que al cine la pantalla grande.

La crisis ha supuesto un cambio de paradigma en lo que a mostrar la fotografía se refiere. Hoy encontramos menos exposiciones y más austeras. Por suerte, el auge del fotolibro está viniendo a compensar esta falta de contacto, esta pérdida de intensidad que se produce entre la obra y el espectador. Ante el decreciente presupuesto expositivo, el fotolibro nos ofrece un consumo íntimo e individual mucho más intenso que algunas exposiciones. Las exposiciones de fotografía entran en el terreno de apuesta arriesgada para la iniciativa privada y poco atrayente para la pública. Y no hablemos de la autoproducción expositiva que queda ya como algo casi mitológico.

Por eso siempre nos alegra conocer buenas nuevas como la que nos llega desde el blog de Jon Uriarte ("En bruto"), que publicaba hace unos días un estupendo post sobre los lanzamientos expositivos y editoriales de esta temporada. De entre ellos destacamos en esta entrada la próxima exposición de Robert Adams en el Reina Sofía para el 15 de enero de 2013.

La alegría es doble, por un lado, por la presencia de la fotografía en grandes instituciones públicas como este museo, y por otro,porque vamos a tener la oportunidad de disfrutar de una gran exposición en formato envolvente sin tener que esperar a PhotoEspaña. El formato envolvente está garantizado si nos acogemos a precedentes como los monográficos dedicados a Edward Steichen o Alberto García-Alix por este centro de arte.

Robert Adams

En esta ocasión nos encontraremos con una selección de 250 fotografías que configuran la mayor muestra dedicada a Robert Adams en Europa, con un amplio recorrido por la obra de Adams desde sus inicios en 1965 hasta 2007.

Robert Adams es un testigo perpetuo del cambio en el paisaje del Oeste americano. Decimos perpetuo porque ya lleva más de cuarenta años observando cómo este entorno sufre las alteraciones de la mano del hombre. Adams presenta un paisaje en blanco y negro, desgarrado, arañado por la erosión del hombre, el urbanismo, las talas y otras incisiones que los seres humanos practicamos sobre el entorno despojándolo de su virginidad.

Su trabajo podría considerarse una antítesis al de su compatriota Ansel Adams, aunque ambos guardan en el fondo un sentimiento conservacionista que expresan de formas opuestas. De la belleza casi onírica de los paisajes de Ansel a la crudeza desalentadora de las imágenes de Robert.

Robert Adams llegó a la fotografía por casualidad. En 1967, la Universidad de Colorado Springs, donde era profesor de literatura inglesa, organizó un coloquio sobre el paisaje del Oeste norteamericano y le encargó una serie de fotografías sobre los alrededores de la ciudad. Este trabajo supuso un reto para él ya que apenas poseía conocimientos técnicos sobre fotografía y, a la vez, le descubrió un mundo que le haría abandonar la enseñanza para recorrer territorios que aún poseían ese lado salvaje de la leyenda del Oeste americano. Robert es, sin duda, un fotógrafo esencial en la historia de la fotografía estadounidense ya que ha sabido construir de forma ejemplar su propio lenguaje, evolucionando desde sus primeros trabajos en los años sesenta.

Robert Adams

Robert Adams

Robert Adams

Robert Adams

Robert Adams

Robert Adams

Robert Adams

Robert Adams, nacido en Orange (Nueva Jersey) en 1936, es conocido por sus imágenes en blanco y negro del oeste de Estados Unidos. Fue galardonado con el Premio Hasselblad 2009, uno de los más prestigiosos del mundo dentro del campo de la fotografía, por ser uno de los fotógrafos ‘más importantes e influyentes de los últimos 40 años’, según señaló el jurado en su fallo. Está representado por la galería Fraenkel en San Francisco y la Matthew Marks Gallery en Nueva York.

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El colectivo valenciano Doctor Nopo arranca la temporada con la exposición "Coma" del argentino Juan Diego Valera (Córdoba, Argentina 1976), un "fragmento de lo vital, lo que esta en permanente cambio y evolución, en constante descomposición y desaparición". También tienen abierta la matrícula del curso "Aprender a mirar", un curso de iniciación y perfeccionamiento.

Juan Diego Valera es un fotógrafo de la deriva al que habrá que seguirle la pista. En su web sólo se pueden ver dos trabajos, Coma y Bitácora, pero sus imágenes y lo que tras ellas se esconde ya resultan inquietante.

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Jorge Rueda, Obispa

El Centro Andaluz de la Fotografía anuncia próxima exposición retrospectiva del ya fallecido, desgraciadamente, y genial Jorge Rueda (1943-2011), maestro del fotomontaje surrealista.

"La muestra, de 23 imágenes, refleja las etapas de la vida artística de Jorge Rueda, donde se puede apreciar su evolución desde 1970 hasta 2007. Jorge Rueda fue uno de los grandes impulsores de los cambios experimentados por la fotografía española dirigiendo la revista de vanguardia Nueva Lente, y se convirtió en uno de los referentes ineludibles en este espacio durante los años 80. Su obra ha sido expuesta por todo el mundo, y ha impartido talleres y realizado publicaciones tanto nacional como internacionalmente".

La exposición la organiza el Colectivo Ufca de Algeciras, se inaugurará el próximo 5 de octubre en su sala (Avda. Fuerzas Armadas, 26. Algeciras, Cádiz) y se podrá visitar hasta el 30 de noviembre de 2012.

Os recordamos que hasta el 14 de octubre aún se puede visitar la exposición de Paco Gómez en la sala del CAF en Almería, de la que ya os hablamos en Cienojos en su momento, y hasta el 30 del mismo mes, en la sala de la Alcazaba, la muestra Chronos, una selección de sus fondos Imagina que incluye obra de Graciela Iturbide, Jean Lariviere, Krzysztof Pruszkowski, Manuel Falces, Martine Franck, Max Pam, Miguel Nauguet, Mimmo Jodice y William Klein.

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Fernando Maquiera

La Colección Alcobendas, una de las más importantes de nuestro país y que este año celebra su 20º aniversario, presentará el próximo 9 de octubre, a las 19,30h, en el Centro de Arte Alcobendas (web en construcción), la primera exposición donde se mostrará parte de sus últimas adquisiciones, con fotografías de Daniel Canogar, Benito Román, Virxilio Vieítez, Carlos Aires, Felix Curto, Fernando Maquieira, Valentín Vallhonrat, Esther Ferrer, marta Soul, Pablo Genovés, Carlos Pérez Siquier, José Manuel Ballester, Colita, Oriol Maspons, Almalé-Bondía y Gervasio Sánchez.

José María Díaz Maroto es el conservador y responsable de la misma. En la revista Ojos Rojos podéis leer una amplia entrevista con él.

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Paul Graham Wall Street, 19th April 2010, 12.46.55 pm, 2010

Julián Garnés García, Le Bal

Este verano tuve la oportunidad de conocer Le Bal, gracias a la recomendación de mi querido amigo Juanma Abellán. Le Bal es un sitio magnífico digno de visitar, en pleno corazón de París. Un café, galería y tienda de libros de fotografía, de esas a las que es mejor no entrar si no quieres salir cargado de tesoros editoriales.

Tras el abrumador sentimiento inicial (¿por dónde empiezo?) me decidí a sentarme en un pequeño taburete, con algunos libros, antes de ver la exposición de Chris Killip (que en ese momento estaba en sala). Entre pequeños tesoros y monstruos de todos los calibres, pasaron dos horas casi sin darme cuenta. Y entre los más pesados de esos tesoros descubrí una joya de las de gran calibre llamada "The Present", (Paul Graham 2011). Un homenaje a la fotografía urbana que presenta un renovado lenguaje fotográfico a través del uso de la secuencia. En The Present "las imágenes revelan afinidades involuntarias e inesperadas entre dos momentos". El momento decisivo se fracciona en un camino de ida y vuelta entre las imágenes que componen el díptico (o tríptico) y nos invitan a comprender lo que está pasando entre ellas.

Con motivo de su segundo aniversario, Le Bal presenta, en colaboración con la Galerie Les Filles du Calvaire de París y Pace/MacGill Gallery de Nueva York, una exposición doble de Paul Graham en la que se puede ver Beyond Caring (1984-85), el trabajo realizado al inicio de su carrera en las oficinas de Seguridad Social británico de Margaret Thatcher y The Present (2011), anteriormente citado.

Paul Graham Wall Street, 19th April 2010, 12.46.55 pm, 2010

Paul Graham, Beyond Caring

Paul Graham, Beyond Caring

Paul Graham, Beyond Caring

La exposición se inauguró el pasado 14 de septiembre y puede visitarse hasta el 9 de diciembre en la galería Le Bal (París).

Paul Graham es uno de los pioneros de la fotografía a color y, sin duda, una de las figuras más representativas de la fotografía contemporánea británica. Recientemente, ha sido galardonado con el Premio Internacional de la Fundación Hasselblad de fotografía en 2012.

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